Au Far East Film Fest, l’état des lieux du cinéma oriental contemporain

​​S’il est vrai que, pour ceux qui les fréquentent régulièrement par travail ou par passion, revenir année après année à un festival donne toujours une vague sensation de déjà-vu, retourner à Festival du film d’Extrême-Orient après de très nombreuses années d’absence, cela m’a donné une sensation étrange. Apparemment, tout était exactement comme je l’avais laissé: le Teatro Nuovo Giovanni da Udine, les expositions colorées et imaginatives, les troupes de chameaux des passionnés du cinéma oriental (les historiques, avec l’ajout des nouvelles générations), la participation de la ville, l’air festif, la capacité des organisateurs à emballer leur événement et les films présentés, avec de la musique, des présentations, des tons vifs, captivants et intrigants pour le public.
Rien ne semblait avoir changé : il y avait toujours la petite taverne devant le théâtre, où l’on peut se rafraîchir avec un canapé et un verre de vin entre un film et un autre (qui avait aussi une nouvelle et heureuse direction) ; et il errait toujours dans le hall Marco Müller, aujourd’hui le nouveau directeur de Taormina, occupé à saluer avec le sourire les nombreux amis qu’il compte parmi les nombreux invités de la FEFF. Que rien n’a (apparemment) changé est la meilleure confirmation possible que la formule FEFF fonctionnait à l’époque et continue de fonctionner aujourd’huiavec un regard moins superficiel on voit que Cependant, le festival d’Udine dédié au cinéma populaire oriental s’est développé: par rapport à il y a de nombreuses années, il y a une salle de plus, celle du Visionnaire, et puis des initiatives, des rencontres, des ateliers et des opportunités qui racontent une réalité dynamique, et pas du tout passivement identique à elle-même.
Mais ce sur quoi il faut réfléchir, plus que le festival qui le contient, c’est le cinéma qui y a été présenté. Si le FEFF a grandi dans le respect de son identité, de nombreuses transformations radicales ont eu lieu au cours du dernier quart de siècle dans la galaxie du cinéma oriental.. Si à l’origine le cœur battant du FEFF était étroitement lié au plus beau cinéma du monde de ces années-là, celui de Hong Kong, année après année, l’événement d’Udine enregistrait et représentait les mouvements perceptibles et moins perceptibles qui conduisaient, par exemple, à le déclin du cinéma de l’ancienne colonie britannique et la naissance de la domination industrielle et artistique coréenne, mais aussi les nombreuses difficultés du cinéma japonais, ou encore l’émergence de réalités comme l’Indonésie, la Thaïlande, la Malaisie. Bref, le FEFF a toujours été un test décisif de l’état des choses, et il l’est toujours.même s’ils doivent désormais vivre dans un contexte dans lequel de nombreux festivals, paradoxalement grâce à ce qui a été fait à Udine, ont désormais ouvert les yeux et les oreilles et tourné leur attention vers l’Est, représentant ainsi une concurrence plus féroce que celle du passé .

YOLO : venu de Chine avec exubérance

À quelle situation avons-nous donc été confrontés au cours de trois jours passés à la FEFF ? Tout d’abord, comme nous l’a dit le film choisi pour l’ouverture de la 26ème édition du festival, YOLOd’un Un cinéma chinois qui a porté son niveau de maturation industrielle et commerciale à des niveaux d’extrême sophistication.
Réalisé et mettant en vedette Jia Ling, star de la comédie chinoise ici dans son deuxième essai derrière la caméra, YOLO raconte de manière extrêmement sommaire l’histoire d’une trentenaire dépressive et obèse qui, après la rupture avec sa famille, et une série de rencontres plus ou moins heureuses, trouve dans la passion de la boxe la clé d’une rédemption qui passe évidemment par une extraordinaire transformation physique, mais qui est avant tout une métamorphose caractérielle et existentielle. Bien sûr, dans le film, il est remarquable que Jia Ling ait délibérément pris vingt kilos pour jouer le rôle du protagoniste, pour ensuite en perdre cinquante pendant le tournage et révolutionner son physique, et plus remarquable encore est le fait que le film a actuellement rapporté l’équivalent de 480 millions de dollars; ce qui est frappant, cependant, c’est YOLOest la capacité d’être cinéma populaire de manière effrontée et, à sa manière, raffinéemélangeant sans cesse les registres (de la comédie au drame, en passant par les films de sport) et accumulant une quantité d’indices et d’idées qui, sur d’autres marchés, auraient été diluées dans au moins une demi-douzaine de films différents. Il y a pourtant ici un goût du gaspillage créatif, de l’exubérance narrative, qui devrait en quelque sorte être prise en exemple.

Hong Kong entre passé et futur

Sur le Front de Hong Kong, les choses se compliquent : le cinéma de l’ancienne colonie est de plus en plus soumis au poids politique, financier, voire créatif de la Chine continentale, et semble peiner à retrouver le dynamisme créatif du passé. S’il y en a encore Herman Yau de films agréables mais pas du tout originaux comme Mission de Moscouqui tentent d’entretenir une flamme de continuité avec un passé glorieux et d’avancer vers l’avenir, voici les nouveaux noms de la scène locale qui tentent d’explorer de nouveaux territoires.

Laurence Kanavec En plein jouraborde le drame journalistique dans lequel la star Rachel Leung joue le rôle d’un journaliste d’investigation qui tente de raconter les horreurs et les violences subies par les résidents d’un centre qui accueille des personnes âgées et handicapées : Kan’s est un film classique, presque hollywoodien, bien trop modéré et équilibré dans ses tons.et qui, en mettant l’accent sur le rôle du journalisme d’investigation, touche indirectement au point sensible de la liberté de la presse de plus en plus limitée dans le Hong Kong d’aujourd’hui. Jonathan Li son film, La poussière à la poussière, le tourne directement en Chine, et avec des fonds chinois, reconstituant une affaire d’actualité célèbre (un vol à main armée qui a fait de nombreuses victimes en 1995) et racontant vingt ans de recherches menées par un policier pour retrouver le responsable de ce vol. D’un côté il met une étoile de l’ancienne colonie, Lam Ka-toungde l’autre la star chinoise De Peng (quelqu’un qui vient de la comédie, ici dans un rôle très dramatique), et cette rencontre-clash est en quelque sorte le symbole de deux idées et traditions différentes du cinéma qui recherchent un moment de synthèse. Une synthèse que Li ne retrouve pourtant qu’en partie, dans un film dont les qualités se diluent un peu trop dans une durée de tournage excessive et dans une structure par trop traditionnelle et liée à des modèles d’auteurs éloignés des traditions de HK.

La Corée se réconcilie avec l’histoire

D’après ce qui a été projeté dans les premiers jours du FEFF, lLe cuirassé coréen confirme toute sa puissance cinématographiqueet aussi la volonté d’utiliser le cinéma pour traiter de l’histoire du pays.
Soi Passeursl’histoire de quelques contrebandiers dans les années 1980, à mi-chemin entre comédie grotesque et thriller d’action, s’est révélée être un titre tout à fait négligeable, et ainsi, de différentes manières, Rançonné Et 12.12 Le jour ce sont des dieux de grandes productions destinées au grand public aussi solides d’un point de vue industriel que limitées en termes d’idées créatives et artistiques.
Dirigé par Kim Seong-hun (celui de Une dure journée et la série Netflix Royaume) Rançonné raconte l’histoire (plus ou moins vraie) d’un fonctionnaire du ministère coréen des Affaires étrangères qui, en 1987, part pour Beyrouth déchirée par la guerre civile avec la mission officieuse de payer la rançon nécessaire à la libération d’un compatriote diplomate qu’il avait été kidnappé plus d’un an plus tôt dans la capitale libanaise. Moyen-tendu, résolument dynamique, basé sur un mélange consolidé d’action et d’humour avec l’ajout d’une pincée de drame, incarne le meilleur du cinéma coréen contemporaincelui capable de faire des films solides, intéressants mais peut-être pas particulièrement mémorables.

Cependant, il n’y a aucune trace d’humour dans le 12.12 : Le Jour de Kim Sung-soo, reconstitution grandiose, trop grandiloquente et un peu turgescente de la tentative de coup d’État survenue en 1979 en Corée, au lendemain de l’assassinat du président Park, aux mains du général Chun Doo-gwang. Politiquement et tactiquement complexe, mais précis, le film de Kim se distingue avant tout par les performances des protagonistes : Hwang Jung-min dans ceux de Chun, et Jung Woo-chanté dans ceux du général Lee, son principal adversaire et, en quelque sorte, sauveur du pays.

Indonésie explosive

Dans une édition de FEFF dans laquelle le focus sur l’Indonésie était clair et déclaré, alors il convient de mentionner le passage de 13 Bombs, un pur thriller d’action réalisé par le jeune Angga Dwimas Sasongko, l’un des grands noms du nouveau cinéma indonésien. Trop long, souvent trop de dialogues, avec un casting et des performances en moyenne boiteux pour être généreux, 13 Bombs a cependant le courage de son côté de poursuivre une idée d’action sans compromis, composé d’explosions, de cascades physiques, de combats au corps à corps et de tirs tactiques, et de combiner le tout avec une intrigue qui, bien que peut-être un peu aléatoire, a l’avantage d’aborder des questions contemporaines et très actuelles pour le pays asiatique et pour le monde entier : du terrorisme aux crypto-monnaies, mais surtout aux inégalités créées par le système financier-capitaliste mondial. système et la distance insupportable qui se crée entre les plus riches et les plus pauvres dans le monde. Il convient également de souligner comment, dans un film où les histoires de terroristes et de forces antiterroristes se mêlent à celles de deux nerds propriétaires d’une start-up spécialisée dans les monnaies numériques, et qui de toute façon en termes de forme et de contenu serait lisible comme typiquement “masculin”, est le rôle d’au moins trois personnages féminins du plus haut niveau, et tout sauf passifs, y compris celui d’une jeune fille qui exhibe un curieux tiroir Louise Brooks.