Entretien avec le commissaire Udo Kittelmann

Parmi les nombreux événements qui parsèment Venise en 2024, l’exposition Lion de Dieu de Walton Ford est un incontournable. Il est hébergé par l’Université vénitienne des Sciences, des Lettres et des Arts, un lieu important pour la ville de Venise non seulement pour la beauté du bâtiment qui l’héberge (la Scuola Grande di San Fantin, à deux pas du Teatro La Fenice) mais surtout pour ses précieuses collections artistiques. Précisément à une grande œuvre de Jacopo Tintoretto (L’Apparition de la Vierge à Saint Jérômeca. 1580), qui décore la Bibliothèque de l’Université de Vénétie, s’inspirent des nouvelles peintures de l’Américain Walton Ford (Larchmont, 1960), qui prennent ainsi la qualité d’œuvres in situ dans un dialogue concret avec l’œuvre du maître vénitien (exposée exceptionnellement dans la Sala Tommaseo pendant toute la durée de l’exposition). Ni la Vierge ni saint Jérôme ne sont les protagonistes de Lion de Dieu: comme le titre l’indique, c’est le lion (attribut qui accompagne le saint dans toutes ses représentations les plus célèbres) qui conquiert la scène, suite à l’attention de Ford aux entités animales non humaines. Nous en avons parlé avec le commissaire de l’exposition Udo Kittelmann (Düsseldorf, 1958), ancien directeur de la Nationalgalerie de Berlin (qui comprend entre autres l’Alte Nationalgalerie, le Hamburger Banhof, la Neue Nationalgalerie et le Museum Berggruen) depuis 2008. jusqu’en 2020.

Entretien avec Udo Kittelmann

Commençons par une question rituelle. Que signifie pour vous « guérir » ?
C’est prendre soin de l’imaginaire et des envies de l’artiste, et l’aider à construire une exposition. Et surtout, soyez dans un dialogue très profond avec lui. Dès le début de ma carrière, lorsque j’ai commencé à organiser des expositions, j’ai compris qu’il était essentiel de comprendre en profondeur la pratique d’un artiste afin de l’aider. Il faut être son meilleur critique, le plus honnête au moins.

Comment est née votre collaboration avec Walton Ford ?
Je pense que c’est en 2009 que j’ai découvert son travail pour la première fois et j’ai été très impressionné. J’ai tout de suite été très attiré par ses œuvres : à première vue, elles semblent très différentes de ce que l’on attend habituellement de l’art contemporain, mais lorsque l’on explore plus en profondeur, disons, les problèmes abordés par Walton, elles deviennent extrêmement contemporaines. Peu après notre première rencontre, l’année suivante en fait, je l’ai invité à réaliser sa première exposition institutionnelle en Europe, à la Hamburger Bahnhof de Berlin. À l’époque, je me souviens, on m’avait beaucoup critiqué à ce sujet : pourquoi amener ce type d’œuvre dans un musée d’art contemporain comme celui-là ? Pourtant, à la fin de l’exposition, nous avons enregistré une fréquentation de 140 000 visiteurs, même si Walton n’était pas encore aussi connu qu’aujourd’hui. Cela m’a appris une leçon : une grande partie du grand public, qui n’est généralement pas familiarisée avec les derniers discours ou théories de l’art contemporain, en est rebutée.

En effet, la première chose que j’ai remarquée, c’est que les œuvres de Ford semblent parler une langue ancienne. Peut-être cela leur permet-il de communiquer les exigences du contemporain même à ceux qui ne sont pas habitués aux codes de l’art d’aujourd’hui ?
Exactement, et leur langage est aussi très spirituel et quelque peu émotionnel. D’une manière ou d’une autre, ils s’adaptent au rythme cardiaque du public.

La spiritualité dont vous parlez m’amène à la question suivante : les œuvres de Walton Ford sont profondément liées à l’espace dans lequel nous nous trouvons, l’Ateneo Veneto, et à ses collections. Je me souviens des nombreux cas où des retables ont été extraits des églises et des cathédrales dans lesquelles ils ont été conçus puis décontextualisés au sein de musées. Comment cette série de Walton Ford survivra-t-elle une fois l’exposition terminée et lorsqu’elle sera exposée dans d’autres contextes ?
La série de peintures Lion de Dieu il est fortement conçu pour l’Université de Vénétie et pour entrer en dialogue (et confronter) avec l’Apparition de la Vierge à Saint Jérôme du Tintoret. Lorsque ces œuvres seront séparées de ce contexte, elles continueront à avoir leur propre vie et leur propre impact. Mais les voir dans cette exposition est certainement la meilleure occasion de saisir leurs liens profonds avec la grande œuvre du Tintoret, les environnements de l’Université de Vénétie et Venise elle-même, étant donné que le lion est le symbole par excellence de la ville.

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Comment surmonter la distance temporelle entre le Tintoret et Walton Ford ?
Peu importe combien de siècles se sont écoulés : l’art raconte toujours la même histoire. Il essaie à chaque fois (pour citer Paul Klee) de rendre visible l’invisible, il traite de l’être humain comme d’un esprit, il concerne les émotions, l’amour, la haine, le sentiment de culpabilité. Mais ce sont toutes des choses qui se retrouvent tout au long de l’histoire de l’humanité et qui ne changent pas : ce sont les gens qui changent, et cela leur fait lire la même histoire d’une manière nouvelle, qui leur est contemporaine.

J’ai trouvé intéressante la façon dont Ford subvertit un personnage auxiliaire comme le lion de l’histoire de Saint Jérôme, en faisant de lui le véritable protagoniste des œuvres. Ford essaie-t-il de nous dire que nous devons repenser notre place dans le monde ?
Bien sûr. De manière générale, les œuvres de Walton tentent de nous rappeler notre arrogance et le fait qu’en tant que créatures naturelles, nous devons mettre fin à la cruauté qui nous caractérise. Je voudrais citer Spinoza qui disait : «L’idée de l’océan est toujours contenue dans une goutte d’eau. Il faut prendre soin de la goutte d’eau pour prendre soin de l’océan».

La seule interaction entre l’humain et le lion dans les œuvres de Walton Ford représente le moment où l’on retire les épines de la patte du lion…
Il existe une représentation de la relation entre les espèces basée sur l’entraide, l’harmonie, l’amour. Cela se voit aussi beaucoup dans le tableau qui représente le lion embrassant l’âne : en le regardant on perçoit clairement la proximité entre les deux animaux.

Et c’est peut-être là que réside la nature politique des œuvres de Walton Ford.
L’œuvre de Walton est très politique : dans ses œuvres, cependant, il ne se place pas dans la position de quelqu’un qui montre ce qui est bien et ce qui ne l’est pas, le discours politique n’apparaît pas de manière didactique. Son calibre politique émerge organiquement des œuvres, et c’est quelque chose qui n’arrive pas aujourd’hui dans beaucoup d’art contemporain, qui veut pousser le spectateur à penser politiquement. L’harmonie entre l’âne et le lion, malgré leurs différences, nous amène à réfléchir sur notre propre nature : pourquoi ne pouvons-nous pas coexister pacifiquement ?

Villa Alberto

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