Cette fois, l’humain est l’étranger. Cela se passe à Punta della Dogana, Venise, dans les espaces de la Fondation Pinault. Lorsqu’on observe le bernard-l’ermite dans un aquarium qui vit comme une coquille dans une copie de la « Muse endormie » de Constantin Brancusi, on pense à Phléba la Phénicienne, le marin protagoniste de « Mort par l’eau » de TS Eliot, « qui a oublié le cri des mouettes et le ressac de la mer profonde, ainsi que les profits et les pertes » et dont les os sont dépouillés en chuchotant par les courants marins. La salle aquarium, sorte de cabinet de curiosités bio-techno-artistique, s’inscrit dans le parcours immersif créé par l’artiste français Pierre Huyghe dans les salles réaménagées en 2007 par Tadao Ando : un itinéraire frontière vers des hypothèses de mondes dans lesquels notre civilisation il a explosé, implosé ou dégradé jusqu’au stade d’une ombre inconsciente.
« Liminal » est le nom de l’œuvre principale qui donne son titre à l’exposition (jusqu’au 24 novembre) : un corps féminin flottant, projeté sur une membrane dans un environnement obscur, un corps vide – une ombre ou une tache sombre a englouti beaucoup du visage. Un simulacre qui semble habité par une Intelligence Artificielle.
Ce sont précisément les IA qui sont les protagonistes de l’exposition, qu’il s’agisse des masques dorés équipés de récepteurs qui réagissent aux stimuli extérieurs, y compris les visiteurs de l’exposition, inventant une sorte de novlangue en chuchotements électroniques, transportés partout et sur le visage d’interprètes (silencieux par contrat), sortes de nouvelles entités symbiotiques appelées idiomes ; ou encore le robot du film « Camata », qui fouille en bourdonnements et tente un rituel funéraire pas très réussi sur un squelette humain calcifié au soleil du très aride désert sud-américain d’Atacama. Une IA réédite continuellement le film, toujours différent. Nous sommes à proximité du « Waste Land » d’Eliot, entouré de ses « hommes creux », pourtant supplantés par d’autres intelligences : un totem lumineux, un serveur qui semble respirer derrière un mur transparent ; les humains sont réduits à des restes biologiques, à des auteurs d’art silencieux, à des véhicules tels que des idiomes, à des simulacres. L’inspiration déclarée de Huyghe est aussi Samuel Beckett, la représentation part du degré zéro, l’IA pourrait être celle-là, l’étranger numérique.
Liminal est un phénomène qui se situe à la frontière de la perception, une frontière labile et mouvante. « Liminal est un état transitoire, d’où peut surgir ce qui n’a même pas été pensé », explique l’artiste français. Peut-être une coïncidence intentionnelle, c’est le même paradoxe auquel sont confrontés les “ingénieurs en IA”, les ingénieurs cybernétiques qui conçoivent, développent et “entraînent” les intelligences artificielles lorsqu’elles arrivent à des résultats de manière mystérieuse auprès de leurs propres entraîneurs. Quiconque se trouve à une frontière est par définition un étranger. Ainsi l’exposition-œuvre de Huyghe semble dialoguer à distance physique proche, mais depuis un autre univers, avec la 60e Biennale d’art organisée par le Brésilien Adriano Pedrosa à l’Arsenale et aux Giardini intitulée “Les étrangers partout” (jusqu’au 24 novembre). Ici l’accent est mis sur l’humain, le trop humain, l’humain marginalisé et colonisé par d’autres humains, exploité, effacé et en quête de voix et de rédemption. Populations autochtones, peintres queer, mémoires d’esclaves et de parias.
En simplifiant, on pourrait dire qu’à Venise les indigènes sont en concurrence avec les Intelligences Artificielles. Le fait est que, au moins dans le concours artistique, les premiers risquent de perdre. Mais voyons en détail. Faisant office de passeur métaphorique entre les deux visions de l’exposition, à l’entrée de la Corderie dell’Arsenale, se trouve l’astronaute migrant de l’anglo-nigérian Yinka Shonibare avec son costume lumineux et un filet sur l’épaule chargé de valises, l’un des peu d’œuvres qui, dans le cruel printemps vénitien, suscitent des sourires au-delà des éloges. On reste alors empêtré dans la banalité bien intentionnée de la grande installation du collectif Mataaho, composé de femmes d’origine maorie de Nouvelle-Zélande, lauréate du Lion d’or, faite de sangles d’emballage et qui rappelle une atmosphère de non-lieu. comme au 21e siècle.
Cela fait écho, visuellement et littéralement, à l’autre bout de l’Arsenale, à la forêt de tuyaux innocents transformés en orgue par Massimo Bartolini dans le Pavillon italien, qui ont attiré les foudres et les paratonnerres de défense des critiques et des professionnels, alignés des côtés opposés, mais qui ne font pas leur devoir de tuyaux d’orgue : ils portent, au lieu de faire vibrer l’esprit. Nous nous déplaçons entre les corps transsexuels et transhumains d’Agnès Questionmark vers le paysage global d’artistes folkloriques chiliens anonymes, depuis les portraits de groupe féminins évocateurs de Giulia Andreani, dans le pavillon central des Giardini, jusqu’à une yourte dans la steppe anatolienne. Un superbe décor pour un bazar planétaire, mais la lumière de l’art s’allume rarement : la construction de l’exposition est strictement encadrée par le politiquement correct qui la conduit à une spirale sur elle-même.
Contrairement au principe d’incertitude – emprunté à Heisenberg – qui fait office de fil conducteur dans les mondes possibles de Huyghe, Arsenale et Giardini semblent si déterminés qu’ils s’effondrent à cause d’une chute de tension. Il y a des exceptions qui brillent : la sculpture composée de LED et de plaques d’aluminium de WangShui, un artiste américain non binaire qui joue sur le basculement continu entre identités réelles et fictives, lumière et matière, Intelligence artificielle et biologique ; les forêts peintes de Rember Yahuarcani, de la nation Uitoto en Amazonie péruvienne : elles dansent en couleurs et rappellent les jungles oniriques d’un grand peintre européen autodidacte de la seconde moitié du XIXe siècle, Henri Rosseau, et “Le douanier “, seulement dans ceux de Yahuaarcani, les voix des plantes et des animaux s’élèvent comme des bulles serpentines, un chant indigène de protestation.
Des mots, des murmures, des cris. Comme les noms des généalogies aborigènes (ou plutôt « Premières Nations ») et britanniques, disposés par l’artiste Archie Moore en constellation au-dessus de piles d’affaires judiciaires baignées par l’eau d’une baignoire du pavillon australien. Intelligente, mais froide, elle remporte le Lion d’or de la participation nationale. Plus fortes et plus rebelles sont les sculptures du collectif congolais CATPC, hébergées dans le pavillon néerlandais : des travailleurs des plantations qui, à travers l’art, veulent se réapproprier leur passé et l’âme des forêts mangées par les monocultures des multinationales. Le contrepoint des tissus et des peintures d’Eduardo Cardozo au pavillon de l’Uruguay est plus subtil, du sud au nord, sa mosaïque de chiffons rappelle le « Paradis » du Tintoret.
Au-delà des pavillons, entre berges, rues et canaux, voici les forts high-tech, comme celui installé près des Jardins par l’artiste Josefa Ntjam, née à Metz, en France, et qui se définit comme afro-futuriste : il combine espèces marines qui ont évolué numérique, statuettes africaines, cosmogonie Dogon et Intelligence Artificielle. Ou comme le groupe Réforme Numérique qui a choisi comme siège la Scoletta dell’arte del Tiraoro e Battioro, au XVIIIe siècle siège de la corporation artisanale qui produisait du fil et de la feuille d’or, aujourd’hui avant-poste d’une plateforme interactive. Oui, les contraires sont appelés sur le lagon : les mondes indéterminés et changeants de Pierre Huyghe révèlent derrière la spontanéité de l’IA un sens bien manœuvré de l’auteur humain.
Au Palazzo Franchetti l’artiste pakistanais Osman Yousefzada dans « Welcome ! Un palais pour immigrés » (jusqu’au 7 octobre) a transformé les pièces patriciennes d’une résidence du Grand Canal en une alcôve de souvenirs pour migrants avec des touches de conte de fées comme ces tresses qui se terminent par des pattes d’oiseau et qui font référence à un canal de distance avec les animaux réinventés dans un esprit surréaliste par les célèbres Claude et François-Xavier Lalanne au Palazzo Rota Ivancich (« Planète Lalanne » jusqu’au 3 novembre). Ainsi, deux des thèmes d’époque, comme la révolution de l’IA et les flux migratoires, se retrouvent côte à côte dans une ville déjà multiculturelle au Moyen Âge et à la pointe de la science. Ils se touchent, ils se touchent, parfois ils font des étincelles.
“Il peut être risqué de regrouper des artistes de cultures différentes sous l’étiquette d’art indigène”, explique Shiva Lynn Burgos, artiste et commissaire américaine, fondatrice du projet Mariwai, un projet de collaboration artistique avec le peuple Kwoma de Papouasie-Nouvelle-Guinée. « Bien que la Biennale de Pedrosa constitue une étape importante, nous travaillons à présenter un pavillon PNG pour l’événement 2026 non pas comme une victime de la colonisation, mais comme un concurrent artistique sur un pied d’égalité, même avec ses propres spécificités, par exemple l’élément spirituel qui dans l’œuvre finale va au-delà de simples objectifs esthétiques”.
A Venise (qui s’enrichit de nouvelles collections, celle de la nouvelle Fondation Berggruen en deux lieux et un parc de sculptures dans la villa Furstenberg à Mestre financé par Banca Ifis), la recherche artistique, scientifique et sociale joue sur un terrain commun, même si ce n’est pas encore le cas. non défini, comme cela s’est produit à la Serpentine Gallery de Londres, où Refik Anadol, le controversé « hallucinateur » de l’IA, a récemment exposé, et comme ce sera le cas au Yokoama Art Summit en 2025, au Japon, où Philippe Parreno a été nommé directeur et qu’en novembre, elle utilisera l’IA à Munich comme moteur d’une exposition multimédia et multisensorielle qui rendra « vivants » les espaces de la Haus der Kunst.
Au bout des regards l’énigme est esthétique, symbolique, comme aux débuts de l’humanité : les IA ouvriront-elles d’autres façons de voir, peut-être dans les mythes ancestraux eux-mêmes, y compris les fragments négligés des peuples isolés ? Ou sera-t-il toujours l’humain à la barre, comme le Fleba disparu d’Eliot, le visage tourné vers le vent mais qui peut se noyer dans une tempête ? La réponse se trouve peut-être précisément dans la ville lagunaire dans deux autres expositions, événements collatéraux de la Biennale : l’exposition personnelle de Berlinde de Bruyckere « Ville Refuge III » dans l’église et l’abbaye de San Giorgio Maggiore d’Andrea Palladio, où archanges métalliques et cire, enveloppés dans des manteaux de peau de vache, se retrouvent devant des miroirs qui semblent chercher le reflet des cieux tombés. L’art, que le Belge de Bruyckere considère comme le dernier refuge, est-il menacé ? Au Palazzo Contarini Polignac, sur le Grand Canal, la Fondation Pinchuk met en scène « D’Ukraine : Osez rêver » (D’Ukraine : osez rêver, jusqu’au 1er août). L’orgue avec des tuyaux faits d’obus russes explosés par Zhanna Kadyrova sonne comme un frisson et en même temps un espoir et la technologie humaine de la beauté est aussi la récupération d’instruments de mort, d’avertissement et de libération ; un film de David Claerbout nous entraîne au très ralenti dans l’explosion qui détruit une maison. L’une des œuvres les plus minimalistes est celle de l’Indienne Shilpa Gupta, dans laquelle deux planches à l’ancienne, avec des lettres rabattables, dialoguent entre elles, avec des erreurs et des tentatives timides pour annuler la solitude. On se demande si c’est ChatGPT qui parle à son frère algorithmique. Non : le dialogue poétique a été écrit par Gupta, des allers-retours, des erreurs et des incertitudes. Sans invites ni hallucinations numériques. Cela indique un chemin tortueux pour redécouvrir le monde et l’art, mais c’est certainement un chemin, une route vers le « changement marin », le changement marin shakespearien qui semble nous attendre dans un avenir proche.
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Sur la photo, une sculpture vidéo de l’artiste américain WangShui réalisée en LED, à l’Arsenale de Venise, dans l’exposition « Stranieri Ovunque » d’Adriano Pedrosa
