Quando Michelangelo Antonioni è ancora un giovane critico cinematografico nonché un regista in erba alle prese coi suoi primi cortometraggi – stiamo parlando degli anni tra il 1940 e il 1947 – sul “Corriere Padano”, sostiene con convinzione che il problema principale del Cinema sia quello del Couleur. Le plus urgent, car il est destiné à redonner au cinéma, avec son avènement, sa dignité artistique, à l’enrichir comme moyen d’expression, en lui donnant un plus fort sentiment d’adhésion à la réalité.
Cahier d’exercices de Le désert rouge
Le réalisateur ferrarais se lance dans une invective ironique et imaginaire adressée à Samuel Goldwyn, le grand producteur hollywoodien, en se proclamant “coloriste” et en le suppliant de le laisser faire un film, sans savoir que la couleur ne viendra pas d’Amérique, mais d’Europe. , idéalement appelé à assumer la tâche de théoriser une esthétique cinématographique à partir de zéro. De ce point de vue, ce qu’Antonioni a réalisé ensuite avec son premier travail en couleur, c’est-à-dire Le désert rouge en 1964, avec une mémorable Monica Vitti, s’apparente véritablement à un acte de style fondateur, comme si en tant que cinéaste il avait littéralement réussi à donner corps aux intuitions visionnaires du jeune théoricien qui l’habitait.
Palme d’Or du meilleur film au Festival de Cannes, 1967
Aujourd’hui, même soixante ans après la sortie du film – qui a été présenté à la Mostra de Venise et où il a obtenu haut la main le Lion d’Or – la portée révolutionnaire et expérimentale de ces images reste indéniable, qui en outre traitent de thèmes très avancés. de leur époque, comme l’écologie, filtrée à travers une puissante lentille auto-réflexive capable d’inclure l’environnement, la maladie mentale et la couleur dans une seule architecture synesthésique. Ses œuvres ont influencé des générations de cinéastes et Le désert rouge ce n’est qu’un des nombreux carrefours importants de son existence, et pourtant sa vie n’est pas seulement faite d’images en mouvement, mais aussi d’objets, de nombreux objets.
Le nouveau Espace Antonioni de Ferrare
Et puis peut-être fallait-il créer un musée pour les collectionner, ce qui, aussi absurde soit-il, n’existait pas jusqu’à aujourd’hui. Sa ville natale s’en est occupée. Le projet, organisé par Dominique Païni, ancien directeur du Cinémathèque française, a été créé grâce à l’engagement de la municipalité de Ferrare et de la Fondation Ferrara Arte, avec la contribution de Vittorio Sgarbi en collaboration avec l’épouse du directeur, Enrica Fico Antonioni. L’objectif était de créer un musée vivant, un lieu d’éducation et de découverte, où explorer les témoignages de l’œuvre d’Antonioni et ses liens avec d’autres artistes et intellectuels.
Michelangelo Antonioni sur le tournage de Exploser
Le Espace Antonioni, comme on l’appelle, héberge une sélection des archives extraordinaires de plus de 47 mille pièces, offertes par le directeur et son épouse à la municipalité. Les archives comprennent des films, des affiches, des scénarios, des photographies, des dessins, des peintures, des livres, des disques, des récompenses et une riche collection de lettres avec des personnalités culturelles telles que Roland Barthes, Umberto Eco, Federico Fellini et Andrej Tarkovsky. Ce trésor, enrichi par la projection de séquences des films du réalisateur, bénéficie également du soutien d’un comité d’honneur qui comprend des personnalités telles que Gian Luca Farinelli, Thierry Frémaux, Wim Wenders, Alfonso Cuarón, Jonas Carpignano, Walter Salles, Irène Jacob, Sophie Marceau et Giorgio Tinazzi.
Le nouveau Espace Antonioni de Ferrare
Conçu par le studio Alvisi Kirimoto en réaménageant les deux étages de l’ancien Pavillon d’Art Contemporain du Palazzo Massari au centre-ville, le musée présente un parcours d’exposition qui rappelle certains plans séquences du réalisateur, avec des partitions verticales monolithiques qui marquent les différentes jonctions de Le narrateur. Comme une sorte de labyrinthe contrôlé qui impose des directions à suivre. Les salles immersives dédiées aux films du réalisateur culminent dans un climax chromatique en niveaux de gris, évoquant les atmosphères de ses premiers films. Au premier étage, une salle polyvalente permet de moduler l’espace selon les différents besoins d’exposition.
Le nouveau Espace Antonioni à Ferrare
Et en suivant ce chemin dicté par l’exposition, se dévoilent progressivement les saisons de son cinéma, réparties tout au long de la seconde moitié du XXe siècle : depuis les débuts néoréalistes jusqu’au dépassement de cette phase avec les films de Lucia Bosè, jusqu’à la « trilogie de la modernité » qui le lie à Monica Vitti avec les titres iconiques de L’aventure, L’éclipse, Et La nuitpour arriver ensuite à l’avènement de la couleur dans ledit Le désert rougepuis à la conquête de l’Occident avec les films anglo-américains témoins de l’explosion de la culture pop et hippie comme ils le sont certainement Exploser Et Zabriskie Indiquerainsi que la fuite des Africains vers Métier : journalistepour conclure avec “le retour en Italie” et les œuvres qui retrouvent le lien avec les racines.
Un chapitre à part est réservé à la production picturale du réalisateur et aux spectaculaires paysages oniriques des Montagnes Enchantées. Enfin, un grand espace polyvalent est dédié aux critiques, rencontres et expositions dans un esprit de dialogue entre les arts. dont le premier, qui concerne spécifiquement les arts figuratifs, est déjà présent dans l’exposition : un dialogue audacieux entre Giorgio Morandi, Cy Twombly et Antonioni lui-même, intitulé Flouune exposition qui vise à mettre en valeur les différentes traductions artistiques du canon naturaliste proposées par les trois, bien qu’exprimées avec des nuances différentes et chacune avec sa propre vision très personnelle.
Flouun dialogue entre les œuvres de Giorgio Morandi, Cy Twombly et Antonioni lui-même
Sont rassemblées des œuvres apparemment éloignées par leur style et leur iconographie qui, au contraire, dans leur raison d’être, sont extrêmement proches de la vision poétique du cinéaste. Les peintures de Morandi et les photographies « nature » de Twombly, combinées aux matériaux d’archives exposés dans le musée et à l’héritage conceptuel du réalisateur de Ferrare, soulignent l’exploration innovante des dispositifs de vision réalisés par les trois artistes. L’exposition permet ainsi de redécouvrir la face la plus intime de leurs recherches à la lumière à la fois de la tradition historique qui caractérise les genres, et du nouveau sentiment de leur époque, qui se manifeste dans un alphabet minimal, un langage qui n’est qu’apparemment simple. et qui au contraire exprime l’essence de la réalité.
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