C’est un spectacle qui parle de jeunes et de travail, Bidibibodibiboo, mais la réflexion de Francesco Alberici, acteur, auteur et metteur en scène né en 1988, Prix Ubu d’interprète de moins de 35 ans en 2021, va beaucoup plus loin, traversant une dimension politique et sociologique. qui trace dans les grands systèmes de production du capitalisme tardif la racine de problèmes psychologiques complexes. Une condition pleine d’implications et d’ambiguïtés, qui va au-delà de la problématique actuelle pour approfondir les peurs intimes de diverses générations qui se sont retrouvées face à une société de performance de plus en plus subtile et liquide, où les relations personnelles se désintègrent et fonctionnent, même dans ce qu’elles ont de plus ( faussement) la rhétorique progressiste, est bien souvent un piège infernal qui manipule le psychisme et façonne les existences. Le titre en dit déjà long, inspiré de l’œuvre du même nom de Maurizio Cattelan, dans laquelle un petit écureuil est allongé sur une table, dans un intérieur sordide des années 50 et vient de se tirer une balle dans la tête. Cette image d’échec correspond à l’atmosphère dans laquelle se déroule le texte écrit par Alberici, qui a également atteint la finale du Prix Riccione 2021 : deux frères, l’un est employé dans une grande et connue multinationale et, soudain visé par un supérieur, commence à vivre un cauchemar qui se terminera par son licenciement. L’autre, auteur de théâtre, décide de raconter publiquement l’histoire de son frère, et la met en scène avec pas mal de difficultés. Après une tournée qui s’est arrêtée avec succès dans des lieux importants, comme celui du Piccolo Teatro de Milan, le spectacle sera présenté le 26 juin au Teatro Sociale de Gualtieri. Nous en avons profité pour interviewer l’auteur.
Dans ce spectacle aux thèmes et atmosphères sombres, il y a une place très importante pour l’ironie et le sarcasme, comme dans toutes ses œuvres jusqu’à présent, tant en tant qu’interprète qu’en tant qu’auteur et metteur en scène. Qu’est-ce que l’humour ajoute ou permet à votre écriture et à votre performativité ?
L’ironie est une manière d’être au monde, inhérente à certains. Une façon, peut-être instinctive, de regarder la vie et de la vivre. J’ai toujours aimé Kurt Vonnegut, qui dans Slaughterhouse n. 5 parvient à raconter l’histoire du bombardement de Dresde, le transformant en une sorte de roman étrange sur le voyage dans le temps. L’ironie à laquelle je me sens proche n’a pas grand-chose à voir avec la froideur ou un nihilisme désenchanté, c’est plutôt un regard délicat et ému sur les choses de la vie, qui tente de rendre compte des joies et des souffrances, des défaites, des injustices et des petits des victoires qui parsèment nos vies. Je ne pense pas que l’ironie implique un désengagement ou une certaine forme de légèreté, je crois en fait que c’est une forme élevée de raconter la souffrance sans en mourir, une stratégie de survie. Dans le cas d Bidibibodibiboo l’ironie m’a permis de raconter une histoire qui me concernait de près, en élargissant ma perspective et en la transformant en une histoire qui n’était plus seulement la mienne, mais celle de tous.
Avec Silvia Gussoni, vous avez traduit les textes théoriques de Milo Rau et édité une publication sur lui. En tant qu’artiste, avez-vous le sentiment d’avoir hérité d’un héritage du réalisateur suisse ? Et sous quel aspect vous sentez-vous éloigné de votre manière de faire du théâtre ?
Milo Rau fait partie de ces artistes gigantesques qui ont su marquer un avant et un après. Son théâtre est révolutionnaire à bien des égards : de l’interaction de la vidéo avec la scène à la capacité de combiner un travail magistral de documentation avec un discours raffiné sur la vérité et le mensonge. Face à un artiste aussi complexe et puissant, le risque d’une émulation stérile est très élevé. Sans aucun doute, du moins en ce qui me concerne, il est toujours utile et stimulant de l’étudier et d’assister à ses spectacles. Ce qui m’a le plus frappé dans sa poétique, c’est de constater à quel point le rôle politique de l’art est pour lui crucial : dans le manifeste programmatique qu’il a écrit il y a quelques années, le premier point disait « il ne s’agit plus de représenter le monde, il s’agit d’une question de le changer”. Une bouffée d’oxygène par rapport au sentiment d’impuissance et d’inutilité qu’éprouvent souvent les artistes. Cependant, c’est précisément dans cet aspect que je ressens une distance : j’espère que l’art est capable d’indiquer des problèmes, de suggérer des questions, mais j’ai beaucoup de doutes quant à sa possibilité de changer la réalité. Même si je continue de cultiver un peu d’espoir.
L’un des enjeux centraux du spectacle est la difficulté de mettre en scène une histoire « vraie ». Qu’aviez-vous l’intention de signaler au public sur la relation entre l’art et la vérité ?
La relation entre réalité et art, qui est le prolongement de celle entre vérité et fiction, me tient particulièrement à cœur. Ces dernières années, le terme « tiré d’une histoire vraie » est devenu très à la mode, car l’art tente de plus en plus d’appréhender la réalité en racontant des histoires « vraies », souvent dans le but de mettre en lumière des situations difficiles, marginales et pleines d’injustice. Cependant, en tant qu’artiste, je me demande si les véritables protagonistes de ces histoires les auraient racontées exactement de cette manière, si elles se reflètent dans les histoires qui les impliquent, s’ils ne les considèrent pas parfois comme dévalorisantes, voire manipulatrices. Dans mon spectacle, il y a deux frères, l’un vit l’histoire – un incident de harcèlement criminel en entreprise – et l’autre décide de la raconter au théâtre. Quel est l’écart entre la vraie histoire et l’histoire ? Qu’est-ce qui est perdu et qu’est-ce qui est gagné ?
Bientôt, avec d’autres artistes, il dirigera Fumo nei occhi, une formation supérieure pour acteurs et actrices sur le thème du “gaslighting”, une forme de manipulation psychologique de plus en plus répandue. Quel est le rapport avec la réflexion ouverte par votre spectacle ?
Le gaslighting est une forme de manipulation capable d’inciter l’autre à adopter notre point de vue, l’amenant à croire que la réalité est telle que nous la voyons. D’une certaine manière, l’histoire est toujours manipulatrice, même lorsqu’elle prétend être objective – pensez au genre documentaire. En fait, l’histoire exprime un point de vue et le spectateur est amené à s’identifier à ce point de vue. Je souhaite enquêter sur la nature manipulatrice de l’histoire, comprendre quelles sont les limites de cette manipulation (afin qu’elle ne devienne pas une véritable distorsion de la réalité) et comprendre dans quels cas il est nécessaire de prendre en compte ces limites et dans quels cas. d’autres non.
Les grands auteurs sont précisément ceux qui montrent dans leurs récits des points de vue multiples, même polaires, en veillant à ce que le lecteur adhère à chaque fois à chaque point de vue, comme si celui-ci était le seul sensé et possible.
