Il y a une aspiration qui semble venir de Prométhée, celle qui brûle dans le cœur des protagonistes façonnés par la plume et la caméra de Alex Guirlande. Beaucoup d’Icare qui scrutent, qui regardent du haut de leur propre ciel orageux, puis brûlent d’aspiration en tombant à terre, trahis par leur propre confiance en eux, par cette nature fallacieuse et imparfaite ignorée de l’être humain. Qu’il s’agisse d’un roman, d’un scénario ou d’une réalisation de film, Alex Garland parvient toujours à capturer toutes les phases de cette pulsion anarchique de ceux qui tentent de s’élever vers Dieu et de se montrer ensuite dans leur essence terrestre, parfois monstrueuse. Mais dans cet échec et mat joué par le destin, la chute de ses personnages ne tend pas à refléter une catharsis de spectateur, mais plutôt un regard critique sur leur propre société contemporaine.
Avec ses œuvres, l’auteur trace les limites d’un avertissement social, où les traits du dystopique sont déchirés pour se montrer dans les réfractions d’une existence possible, proche et réalisable de notre réalité. Et c’est ce qui frappe et fait frissonner dans l’œuvre de Garland : au sein d’environnements facilement identifiables, le monde filtré par Garland quitte la science-fiction pour se déguiser en documentaire. Pas de gagnants, seulement des perdants, et ce ne sera pas le décor artificiel dystopique, donc lointain, qui arrachera l’âme du spectateur à tout sentiment de culpabilité. Les personnages d’Alex Garland sont le reflet d’une humanité possibleprojections du rôle du réalisateur en tant que créateur d’une réalité qu’ils croient dominer, sans se rendre compte que même dans leur monde – double diégétique de la réalité – celui qui leur est confié reste un rôle subordonné aux règles naturelles.
Guerre civile, la menace du possible
Ce sont des thèmes qui reviendront également dans son dernier travail en tant que réalisateur, Guerre civile (voici notre critique), un tableau réalisé avec des pinceaux plongés dans une dystopie du réel, nuancé par une diabolisation de l’opposant politique, et par l’annulation de toute comparaison car soutenue par une présomptueuse supériorité éthique. Mais aux États-Unis de Guerre civile, entre domination des armes à feu et aveuglement humain face à l’état instinctif, animal et menaçant d’un monde anesthésié dans ses émotions, c’est une fois de plus le peuple qui est le pire dans cette Seconde Guerre Civile. Pour rester impartiaux face au chaos total, ce sont alors ses protagonistes qui captent la réalité à travers le reflet d’un objectif photographique, ou depuis l’objectif d’une caméra, à partir d’instruments, c’est-à-dire capables de capter l’absurdité d’un instant sans filtre, à lui seul, la folie, la cruauté. Une fois de plus, l’homme est réduit à une machine de guerre, tout comme il l’était autrefois sous la forme d’une page de roman (La plage), d’un scénario ou d’un film. Alors préparons-nous Guerre civile découvrir quatre des meilleures œuvres d’Alex Garland.
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1. Ex-Machina
C’est un sentiment de chaos qui s’installe et se fraye un chemin dans l’ordre d’une dialectique entre illusion et réalité, qui se déplace silencieusement entre les intermèdes de Ex Machina. Sorti en 2015, le premier film de Garland en tant que réalisateur reprend une thématique chère à l’auteur, comme celle de l’être humain qui espère dépasser les frontières de l’espace-temps, de la mort et de la nature. Le scientifique Nathan (Oscar Isaac), sous les traits d’un docteur Frankenstein des temps modernes, décide de remplacer Dieu dans la création d’automates d’apparence humaine. Parmi eux se trouve Ava (Alicia Vikander), réplicant parfait au nom prononcé comme Ève : son nom est donc donné au sens biblique, atavique de celui qui est le premier d’une espèce nouvelle, gardien d’un péché primordial, et d’une tromperie cachée, d’une subtile et silencieuse rébellion .
Enfermés dans une bulle de savon, loin du monde et soumis à un temps qui se répète cycliquement, Nathan et l’employé Caleb (Domhnall Gleeson) suivent avec une attention religieuse les rendez-vous avec Ava, l’analysent forme humanoïde, fait de peau et de circuits, lui parle, note sa conscience, mais sous-estime sa capacité à raisonner, à penser, à comploter des rébellions, à planifier sa fuite. Suivant les traces laissées par Don’t Leave Me, Garland écrit son propre manifeste sur l’éthique dans le contexte de l’intelligence artificielle, interrogeant l’humanité au sein des machines, des robots, qui ne sont pas humains. Le sentiment et l’attirance de Caleb pour Ava ne seront pour le protagoniste qu’une arme à exploiter, un transfert invisible pour sa liberté, dénonçant ainsi son intelligence ultrafine, une intelligence qui surpasse même celle de ceux qui, se croyant Dieu, craignent la connaissance absolue, ignorant et sous-estimer les pensées des autres.
2. Ne me quitte pas
Kathy, Ruth et Tommy n’ont pas de nom de famille ; ou plutôt, pour compléter leur identité, il n’y a que de simples initiales, des majuscules qui peuvent faire allusion à un possible sentiment de famille, de racines, d’un passé à redécouvrir, mais qui ne sont en réalité que de simples codes de dépersonnalisation de l’identité. ceux qui sont nés non pas pour vivre, mais pour survivre assez longtemps pour laisser résister les autres existences, tout en acceptant le sommeil éternel. Celui de Ne me quitte pas c’est une usine de réplicants où le sens éthique de l’humanité s’imprime au plus profond de l’épiderme bien plus que ce que le Coureur de lame par Ridley Scott. Alex Garland aborde le roman du même nom de Kazuo Ishiguro pour s’approprier le sens ultime, le sens le plus intrinsèque de l’œuvre, pour tracer les contours d’un scénario où l’homme est réduit à une aspiration narcissique à l’éternité, perdant sa propre humanité compatissante et se montrant ainsi dans sa monstruosité indicible. Un univers tellement semblable à celui contemporain qu’il paraît possible, plausible ; une réalité dans laquelle les femmes et les hommes, les garçons et les filles sont réduits à de la chair à canon, à des incubateurs humains d’organes à prélever et à attribuer à ceux qui portent un nom de famille. Les trois protagonistes (joués par Carey Mulligan, Keira Knightley Et Andrew Garfield) de simples monnaies d’échange, ils se déplacent au centre d’une involution (dés)humaine, où les corps deviennent des organes et les scalpels les armes qu’ils détruisent. La plume de Garland et l’appareil photo de Mark Romanek montrent donc combien l’homme, pour vaincre la mort, finit par perdre son humanité. Et c’est comme ça le clone devient plus humain que l’humain lui-même.
3. Anéantissement
Dans Le chat noir (1934) Poelzig expose le corps de la mariée dans un parallélépipède de verre dans lequel la femme est représentée suspendue par les cheveux ; C’est un moment où l’utilisation du verre et des surfaces réfléchissantes devient un élément fondateur d’une interpénétration symbolique entre intérieur et extérieur, dans un jeu constant entre ce que l’on voit et ce que l’on croit voir. C’est le même concept derrière Annihilationfilm réalisé par Alex Garland où le Le doute à la manière d’Hamlet sur ce qui est vrai et ce qui est faux court vite sur la même ligne de regard. Il s’agit d’une œuvre, Annihilation, qui vit de l’héritage lointain, mais néanmoins influent, de La plage (un roman de Garland lui-même, dont Danny Boyle tirera le film du même nom écrit également par Garland) où l’homme se retrouve confronté à une nature qui d’un éden paradisiaque devient un laboratoire de cauchemars hostile et infernal. Tout aussi infernal est le monde qui rassemble les protagonistes de Annihilationdésormais réduit à un laboratoire expérimental de mutation génétique suite à la chute d’une météorite capable de générer une zone aux phénomènes étranges.
Après des expéditions ratées dont seul le sergent Kane (Oscar Isaac) a réussi à revenir, une équipe de cinq scientifiques – dont la biologiste Lena, l’épouse de Kane (Natalie Portman) – entre dans la zone, mettant en danger son destin déjà précaire. Quête scientifique et philosophique dans un royaume où les lois de la nature sont bouleversées, Annihilation (tiré du roman de Jeff VanderMeer) commence exactement là où se termine Ex Machina : la mise en scène d’un monde – la Zone X – avec l’ambiguïté troublante d’un univers hyper-humain prêt à s’activer. Reprise contemporaine de films cultes du genre (La chose, extraterrestre, harceleur) L’œuvre de Garland s’élève vers un monde où tout semble être ce qu’il n’est pas : les couleurs scintillantes et changeantes du Glow sont les nuances d’un chant de sirène menant au sommeil éternel ; un beauté apparente là où la lumière aveugleles couleurs changent et la personnalité s’efface avec l’humanité.
4. 28 jours plus tard
Si le monde d’Alex Garland parvient à dialoguer avec les profondeurs de la conscience humaine, stimulant les synapses comme une série de décharges électriques, c’est avant tout pour sa capacité à entrer dans l’univers cinématographique en traduisant l’inconscient en paroles écrites ou audiovisuelles contemporaines. l’imaginaire collectif. C’est le cas de Civil War, et ce fut le cas en 2002 avec le scénario de 28 Days Later, une science-fiction horrifique réalisée par Danny Boyle dans laquelle le coursier irlandais Jim (Cillian Murphy) est appelé à survivre dans un monde habité. par des humains transformés en zombies. Dans 28 jours plus tard tout commence lors d’un raid d’un groupe de défenseurs des droits des animaux qui libèrent des chimpanzés soumis au visionnage forcé d’images violentes et porteurs d’un virus inconnu et dangereux. 28 jours après cet événement, Jim se réveille dans un Londres déserté, fantomatique et apparemment inhabité. Ce sera le début d’une Odyssée aux implications terrifiantes. Mais 28 jours plus tard est aussi une œuvre qui, si elle est étudiée de manière approfondie, s’échappe de ses limites diégétiques pour devenir vision miroir des émeutes qui se propagent à travers le monde pour des gouvernements incompétents et sourds aux besoins de leur peuple.
Un élan également alimenté par le désir humain habituel d’accéder à un rôle divin, en dépassant les limites de la médecine et de la connaissance, qui sera réitéré dans le scénario du prochain Sunshine (Danny Boyle, 2007). Comment cela se passera-t-il pour la Lueur de Annihilationaussi dans 28 jours plus tard ce qui fait régresser l’humanité à l’état de perdant et rétablit l’ordre des choses, c’est la présence d’une nature étrangère, sujette à mutation, cause et conséquence du déclin humain ; création rebelle et instrument de mort pour une humanité qui aspire à la divinité, le virus qui rend tout mort-vivant est une clé de voûte qui rétablit un statu quo primordial, où l’homme retrouve son rôle passif, contemplatif et jamais actif dans le cours naturel des choses. Il est un observateur, un spectateur et un témoin immobile d’une civilisation qui, au lieu d’évoluer, détruit, corrode, annihile.
