Le ciel sombre et pluvieux d’un dimanche d’été n’a pas démotivé les milliers de personnes qui se sont retrouvées le soir sur la Piazza Maggiore devant les images de Paris, Texas, dont la restauration 4K restitue la lumière, les espaces, la profondeur ; le regard de Nastassja Kinski avec son pull angora rose et celui de Harry Dean Stanton parmi les miroirs de la vie et le paysage d’une Amérique rêvée. C’est l’un des nombreux fragments de la mosaïque de ces journées au Cinéma Ritrovato, présenté sur scène par son auteur, Wim Wenders, parmi les protagonistes de cette édition du festival qui a bâti un public toujours plus grand au cours de ses trente-neuf ans. de vie attentif non seulement à « l’événement » mais surtout aux films. Chacune est présentée sous l’aspect “renouvelé” de restaurations soignées – comme celle de Napoléon d’Abel Gance, vus il y a un mois au festival de Cannes, projetés ici dans la nouvelle et belle salle “underground” du Modernissimo – qui redonnent vie à son image et à son sens, les mettant en correspondance avec la contemporanéité.
NOUS PRENONS Le pas du diabletitre italien de l’original La porte du diable, magnifique western d’Anthony Mann qui pose en 1950 la question des Amérindiens et de leur massacre au-delà (et de ce côté) du “mythe fondateur” dans le dispositif d’une machine coloniale capitaliste qui leur refuse toute forme de reconnaissance au sein de la société . Et il est surprenant de voir à quel point dans la complexité des points de vue avancés, l’histoire américaine – et sa représentation – sont interrogées par des questions d’actualité. «Notre relation aurait peut-être fonctionné dans cent ans» dit le protagoniste, un jeune indigène, à l’avocate (Paula Raymond) qui l’a défendu, projetant dans le futur des conflits restés non résolus pour cette partie de l’Amérique qui a continué au fil du temps à se développer. être retiré. Pourtant, lui, Lance Poole – joué par Robert Taylor – avait cru au changement, il avait combattu dans la guerre civile pour l’Union, il pensait que désormais son peuple aurait de nouveaux droits et l’égalité avec les « blancs ». Et il découvre qu’il va tout perdre, sa terre, ses rêves, qu’il ne peut même pas demander de concession parce que les indigènes ne sont pas reconnus comme citoyens américains, et ce n’est pas seulement l’interdiction de boire au saloon mais tout ce qui ce n’est pas le ghetto des réserves.
Si la période de référence du film est celle des années où le gouvernement américain prive les tribus indigènes de leurs terres en les confinant dans des réserves, quand Mann le fait, la politique qui a poussé les indigènes après la Seconde Guerre mondiale à migrer vers les villes promettant de meilleures conditions – et en réalité, le but était de bouleverser complètement leur culture. Les choses ont-elles vraiment changé des siècles après cette phrase de Taylor/Lance ? Il y a très peu de choses à dire. Dans cette comparaison, Mann (un réalisateur adoré de la Nouvelle Vague, et Scorsese se tourne certainement vers lui pour Tueurs de la Lune des Fleurs) ne s’arrête pas au “thème” – comme c’est souvent le cas aujourd’hui dans les lectures “a posteriori” de nombreux genres – mais travaille en profondeur dans le paysage du western ; il mélange le noir avec le noir et blanc de John Alton, tissant en profondeur les contradictions de la figure de son “héros” natal – et donc de son point de vue – rebelle à cause de la douleur et de la déception, qui se bat pour sa terre qui est sa vie sachant tu n’as pas d’avenir. Le voir aujourd’hui est précieux pour toute critique.
Avec l’image confiée au visage énigmatique de Catherine Deneuve dans Les parapluies de Cherbourg de Demy, le festival fonctionne à plusieurs niveaux, développé dans ses espaces de manière à dialoguer avec le territoire et avec ce qui fait partie des activités annuelles du « système » Cineteca, sans aucun doute le plus complet d’Italie.
PARMI LES DIFFÉRENTS itinéraires, celui des combats féminins – et féministes – dans les imaginaires du monde est mis en avant de manière transversale et notamment au sein du programme Cinema libero organisé par Cecilia Cenciarelli. C’est ici qu’il a été introduit Le sol scellé (1977) de la réalisatrice iranienne Marva Nabili, jamais projeté en Iran et devenant au fil du temps l’un de ces titres formateurs pour de nombreuses générations qui l’ont vu sur des cassettes vidéo ou des écrans de mauvaise qualité.
L’équipe éditoriale recommande :
Wim Wenders, les passions cinéphiles et le plaisir du grand écranL’exemplaire ici – restauré par UCLA à Los Angeles – restitue la puissance d’une recherche formelle qui s’intéresse à la miniature persane, à la peinture dans le rapport frontal entre l’appareil photo, les personnages et les lieux, et à une physicalité dans laquelle le corps féminin s’inscrit. terrestre et espace d’émotions et de conflits – il y a une très belle séquence dans laquelle la protagoniste se déshabille dans la nature, laissant couler l’eau de pluie sur elle. Marva Nabili – qui a aujourd’hui 83 ans et a salué le public avec un petit message vidéo – apporte à ses images son expérience de plasticienne – elle avait étudié la peinture à l’Université de Téhéran – qui précède celle du cinéma découverte en interprétant. Siyavosh à Persépolis (1966), considéré comme l’une des références de la Nouvelle Vague du cinéma iranien (réalisé par Fereydoun Rahnema). De là, il s’installe à Londres puis à New York, étudie le cinéma, réalise quelques films avant de retourner en Iran où il crée une série pour la télévision inspirée des contes de fées persans. Et en même temps ça tourne aussi Le sol scelléen 16 mm et avec une équipe qu’elle avait réussi à réunir grâce à ses autres travaux – Flora Shabaviz joue le protagoniste, Barbod Taher est le directeur de la photographie.
MAIS QUE DIT-IL le film? D’une fille, en effet, dans un village reculé du sud-ouest de l’Iran, qui n’est plus une enfant, et donc sans la liberté de l’enfance de sa petite sœur et des autres filles et garçons du village, mais pas encore « adultes ». ” parce qu’elle est mariée. C’est ce qui la confine à la maison, en attente d’un mari qu’elle refuse cependant. Dans les limbes de la solitude et des gestes quotidiens répétés, la jeune fille devient folle tandis que le village la soumet à un exorcisme, la croyant possédée. Pendant ce temps, les gens commencent à repartir séduits par les promesses de nouvelles colonies qui appauvriront encore davantage les campagnes. Le Shah est toujours au pouvoir, même si la révolution khomeiniste est sur le point d’arriver – ce sera en 1978, le film est terminé en Amérique – et de nombreuses trajectoires de ce temps suspendu suggèrent les profondes césures qui le parcourent. Par exemple, il y a un miroir de regards entre la jeune fille et le jeune professeur de sa sœur qui, la tête découverte et en pantalon, semble suggérer une autre dimension, incarnant des transformations souvent superficielles, sans produire une poussée généralisée qui semble au contraire appartenir au mouvement Donna Vita Libertà. Dans lequel la demande de liberté et de nouvelles conditions de vie implique et unit de multiples pans de la société dans une bataille qui tente de répondre aux singularités de chacun (et de chacun).
