REINE – Pure crise cardiaque

vote
9.5

• Bandes:
  REINE
• Durée : 00:38:41
• Disponible depuis : 11/08/1974
• Étiquette:

• EMI

Cela semble presque incroyable de l’écrire pour un groupe du niveau de Queen, mais le soi-disant test du troisième album, qui devrait confirmer ou fondre comme neige au soleil le potentiel d’un groupe, était également valable pour eux, il y a longtemps. 1974.
À peine six mois plus tôt, les quatre avaient déjà sorti leur deuxième album, tout simplement “Queen II” (voici notre critique), un album qui leur avait valu des critiques très favorables, mais aussi de nombreuses critiques : un thème qui reviendra fréquemment pour les Mercury. groupe, même au sommet de leur succès, parmi ceux qui apprécieront leurs compétences et leur attitude musicales, notamment en live, et ceux qui ne se laisseront jamais rebuter par la composante plus « baroque » de leur musique. Ceci, au moins, à un niveau critique, alors que le public commençait déjà à les apprécier de plus en plus cette année-là ; tout le mérite revient à leurs amis Mott The Hoople, alors parmi les grandes stars du glam/hard rock anglais, qui les voulaient à leurs côtés lors de leur tournée tant au Royaume-Uni qu’aux États-Unis, permettant à Queen de s’exprimer devant d’un public plus large, expérimentant de plus en plus les arrangements et cette présence scénique qui fera partie de leurs marques de fabrique. Bref, les Queen sont prêts à faire le grand saut, ou du moins à essayer avec tout ce qu’ils peuvent mettre en jeu, à commencer par un producteur qui sait les guider tous les deux dans leurs petites folies et dans la bonne direction pour créer de véritables joyaux radiophoniques. , qui pour le moment ils n’étaient pas encore arrivés ; le nom choisi est encore une fois celui de Roy Thomas Baker, déjà présent au générique des deux premiers albums, qui parvient ici à faire ce dont Queen avait besoin : le directeur du cirque, car c’est une vraie fête sans frontières, ringarde et très drôle, celui que le groupe délivre dès les premières notes.
« Brighton Rock » s’ouvre sur les sons d’une fête foraine de village, et la référence est clairement à la ville côtière qui rassemblait chaque week-end des hordes de jeunes, avec des rivières d’alcool, des manèges et même plusieurs combats entre tribus urbaines, comme l’évoque parfaitement le film « Quadrophénie ». L’hommage aux Who réside aussi dans la somptueuse guitare de cette chanson, qui après les couplets dans lesquels Freddie aime naturellement jouer les deux rôles de couple en voyage, explose avec un solo effectué et superposé, qui à partir de ce moment devient presque toujours le base pour les solos live de Brian May. Les tonalités se détendent avec l’une des attaques les plus célèbres de leur discographie, à savoir les claquements de doigts et le piano de « Killer Queen ». Ce qui deviendra l’un de leurs singles les plus réussis, et qui leur ouvrira bientôt la voie à une tournée au Japon et deviendra un total culte, reprend et perfectionne le côté plus ludique du groupe, sans manquer d’un côté notable et, encore une fois, d’un super solo d’ici mai. Après une chanson chacun pour les deux leaders naturels du groupe, c’est au tour de Roger Taylor de mettre la main, et comme d’habitude dans tous les premiers disques du groupe, il écrit et chante sur « Tenement Funster » ; après un arpège délicat et l’entrée de la voix étonnante et rauque de Roger, la chanson devient un hard rock midtempo d’un grand charme, moins peut-être dans les paroles, dans lesquelles comme toujours le batteur blond joue sur les clichés de la vie rock n’roll. La chanson se déroule sans interruption dans le sombre et rempli d’adrénaline « Flick Of The Wrist » : ici le piano explique l’écriture de Mercury, qui complète ensuite le medley en tant qu’auteur avec « Lily Of The Valley ». Une chanson à la fois douce et énigmatique, qui cite ouvertement “Seven Seas Of Rhye”, mais dans laquelle Freddie commence peut-être à exprimer ses tourments sexuels, notamment envers sa bien-aimée, mais “impossible” Mary Austin. Le triptyque confirme très bien l’ambition du groupe en matière de recherche compositionnelle, et la délicatesse de la dernière partie est un parfait prélude à un nouveau chapitre rock fondamental : on parle de “Now I’m Here”, une autre chanson emblématique et incontournable à dire le moins, dans lequel Brian rend hommage à Mott The Hoople, citant les longs mois de tournée ensemble (“En ville, juste Hoople et moi”) et cimentant inconsciemment le passage de relais entre les deux groupes dans l’Olympe du rock anglais. Dans un album volontairement “schizoïde”, prétentieux, mais justement pour cela exaltant, les rythmes ne peuvent s’empêcher de ralentir à nouveau avec “In The Lap Of The Gods”, où les stratifications vocales déjà expérimentées dans “Queen II” reviennent au début. , tandis que Mercury, entre un refrain et un autre, joue alors avec des distorsions presque dignes de Frank Zappa. Que pouvons-nous dire ensuite de « Stone Cold Crazy » ? Overdrive, un riff de speed metal 10 ans plus tôt, mais avec une touche typiquement Queen Circus… tout simplement, un plaisir. La chanson, que Metallica reprit quelques années plus tard avec d’excellents résultats, date en réalité de 1969, à tel point que personne ne se souvenait de qui l’avait composée, ni de qui s’était limité à arranger son propre instrument : ainsi la tendance vers une paternité collective était né des chansons qui caractériseront la discographie de Queen dans les années 1980. « Dear Friends » n’est guère plus qu’un intermède pour piano et voix, presque une berceuse dans le style typique de May – bien que chanté par Mercury – tandis que sur « Misfire », John Deacon assume le fardeau/l’honneur de composer une chanson, avec un joli mix entre les vocalises et le ton surf des Beach Boys, et un rythme certainement plus fille d’Albion, notamment sur le front soul nordiste. « Bring Back That Leroy Brown » nous transporte dans les années vingt, entre woo-woo, ukulélé et jeux vocaux presque fous : un des morceaux les plus bêtes en apparence, mais comme toujours adorable et avec un arrangement parfait, notamment pour le superbe travail sur la contrebasse de John : finalement, parmi les grands du rock, seul Queen a eu le courage d’inclure des morceaux aussi improbables dans leurs disques pendant des années, et de les jouer plus de 200 fois, même en live. Dans « She Makes Me (Stormtrooper In Stilettoes) » la main de Brian May est à nouveau reconnaissable de loin, même si la guitare acoustique placée en arrière-plan et le travail élégiaque sur la voix de Freddie en font un morceau presque digne de la scène de Canterbury, un prog avec une structure simple, mais très intense. « In The Lap Of The Gods (Revisited) » reprend uniquement le titre de la chanson qui ouvrait la face B, amplifiant son sens épique, qui explose sur un refrain qui en fait la « marraine » naturelle de « We Are The Champions » et de celles chanson d’arène au sens le plus strict du terme que Freddie aimait chanter pour copuler métaphoriquement avec son public.
Nous disions dès les premières lignes que Queen, surtout parmi les métalleux, a toujours divisé le public entre admirateurs enthousiastes et critiques furieux, et certainement un disque aussi multiforme et peu consacré aux riffs est particulièrement critiquable. Ce ne sera pas un hasard si, malgré le sous-texte constant de moquerie qui caractérise ses interviews (désormais lointaines), l’histrionique Mike Patton n’a cité cet album que comme l’album de rock anglais qu’il avouait aimer. Pourtant, si juste un an plus tard, Queen sortait ça monstres de « A Night At The Opera » – mais aussi, à suivre, avec son jumeau en miroir « A Day At The Races » -, c’est aussi et surtout parce que les treize titres de « Sheer Heart Attack » l’ont confirmé capables de jouer avec tous les sons et toutes les sonorités, juste pour le plaisir, mais cela les rendait aussi plus conscients de ce qui pouvait divertir le public dans leurs concerts de plus en plus fréquents et incendiaires. Et sur ce plan, juste pour souligner la valeur de l’album avec quelques statistiques, eh bien : c’est l’album dont ils ont joué le plus de chansons, le plus de fois, dans leur histoire. Ça doit vouloir dire quelque chose, non ?