Que serait l’humain sans sa tendance à dominer le reste de la réalité ? En mai dernier, la galerie ME Vannucci de Pistoia et la Villa Rospigliosi de Prato – lieu d’exposition de l’association ChorAsis – ont tenté de répondre en ouvrant au public deux expositions organisées par Marina Dacci et considérez-le comme un seul et grand projet : Renaissanceouvert jusqu’au 28 juillet e ad naturem, jusqu’au 23 juin. La galerie accueille les œuvres de Bertozzi & Casoni, Elena Bellantoni, Chiara Bettazzi, Bianco-Valente, Serena Fineschi, Cristina Gozzini, Silvia Listorti, Nazzarena Poli Maramotti et Antonio Fiorentino, tandis que la villa Prato a choisi cette dernière pour créer une orientation spécifique au site. Les neuf artistes exposés interrogent l’individu dans sa possibilité de s’unir – et non plus de se distinguer – de l’autre par rapport à soi, générant de nouvelles connexions.
À un certain moment de notre civilisation, nous avons commencé à nous considérer comme occupant une position privilégiée dans l’écosystème. S’ensuit une hiérarchisation croissante, fondée sur l’éloge intarissable de la différence entre notre espèce et le règne inanimé, végétal et animal, ainsi qu’à l’égard de telle ou telle partie de l’humanité. Le summum de la fierté de cette séparation coïncide, dans l’imaginaire commun, avec un cliché : l’homme au centre de l’Univers dans l’idée humaniste-Renaissance.
Et nous voici des siècles plus tard, dans la même Toscane qui a accueilli la naissance de cette pensée, confrontée non seulement à son désenchantement, mais aussi à l’hypothétique fin de l’Anthropocène. Par où repartir alors, sinon du rapport que nous entretenons aux objets, à la nature et aux autres ? Les neuf artistes qui le composent le racontent bien Renaissanceune exposition collective organisée dans la galerie ME Vannucci à Pistoia.
Bien que les œuvres n’aient pas été créées pour l’occasion, il est surprenant de voir à quel point il a été possible de les assembler conceptuellement : symptôme, à tout le moins, d’un lien « karstique » fort entre les différentes langues et d’un désir commun d’union. avec le tout, qu’il soit recherché dans l’analogie, le contact, la fusion ou la disparition. Entre os, céramiques, épluchures, plats et petits animaux, on passe immédiatement des natures mortes de Chiara Bettazzi à celles de Bertozzi & Casoni : tandis que les photographies des premières interrogent les histoires mystérieuses qui se cachent derrière les objets, les compositions sculpturales des seconds alternent réalité et fiction, la blague et le memento mori. Dans les deux cas, la décadence – dépouillée de drame – se transforme en une sorte de renaissance « d’en bas », de réunion entre les choses.
Les œuvres de Cristina Gozzini interceptent également les similitudes entre les éléments naturels et l’homme, comme cela se produit dans Fleur-Crâne, où l’empreinte d’un champignon ressemble à la section d’un cerveau. L’être humain restitue une partie du tout même dans Emplacement par Silvia Lisorti : les cartes qui ressemblent à des essaims ou à des nébuleuses sont en réalité des frottages de certaines parties du corps. L’individu est un tout et fait partie d’un tout, et en plus de ses connexions nerveuses, il vit grâce aux relations relationnelles avec l’altérité, comme on peut le lire dans les photographies d’Elena Bellantoni et de Bianco-Valente. Ces derniers sont également auteurs de la vidéo Entité résonnante – qui montre une tentative d’écriture sur l’eau – ouvre à une réflexion plus approfondie : une profonde réunion cosmique peut se produire grâce à la disparition des formes que nous connaissons.
Et cela est vrai aussi bien pour les cartographies sur vélin de Serena Fineschi que pour les présences fantomatiques des peintures et sculptures de Nazzarena Poli Maramotti, mais c’est surtout vrai pour les œuvres d’Antonio Fiorentino. Si son intervention dans l’exposition collective réside dans les deux Telamons qui ouvrent l’espace d’exposition, sa réflexion est bien plus large dans l’exposition personnelle de la Villa Rospigliosi à Prato, nature de l’annonce.
Ici, la recherche de l’artiste – qui tournait déjà autour du mélange entre formes anthropomorphes et matériaux naturels – se mesure dans un environnement ouvert qui est tout sauf cube blanc. Les trois premières sculptures émergent de la grande pelouse d’entrée, faisant écho à l’oliveraie qui se trouve devant : les œuvres semblent se tordre entre la terre et le ciel, et on ne sait pas si elles ressemblent davantage à des figures humaines ou à des arbustes calcaires. Leur composition organique est cependant incontestable : de près, on peut voir des fragments d’os, des morceaux de sel, du sable et des morceaux d’écorce. La désintégration de l’anthropomorphisme se poursuit ensuite dans les espaces intérieurs : dans les cyanotypes et dans la succession des masques la présence de l’artiste oscille entre évanescence et absence, allant de plus en plus vers l’identification au monde animal et végétal.
On arrive ainsi, une fois de plus, à l’individu qui se dépouille de ses traits et accepte la décadence, pour peu qu’il retrouve une étape ancienne de cohésion avec la création. Toutes les œuvres des deux expositions semblent s’accorder : la « nouvelle naissance » n’est possible qu’en dépassant l’idée de spécificité humaine. Ce n’est qu’en abandonnant l’obsession du soi et en embrassant l’altérité que l’impulsion vers une communion nouvelle et circulaire avec tout deviendra plus qu’une simple narration rhétorique.
