Dans le panorama désolé des sorties de disques italiens, où la tracklist d’un album premier du classement, Tony Effe, est presque une photocopie du deuxième du classement, Kid Yugi, ou du futur numéro un, Baby Gang, et où feature, bases, ambiance et flow présentent des différences presque imperceptibles, plus de défauts de fabrication que de véritables identités, voici enfin l’album d’un producteur qui bouleverse la chaîne de montage du panorama urbain depuis ses fondations. Non plus des disques emballés dans le petit studio d’enregistrement d’usine selon la logique fordiste, mais plutôt bizarrement conçus dans une commune de campagne, partageant tout, pas seulement la musique ; 15 instrumentistes et de nombreuses voix, 28 !, avec un esprit clair, de l’émotion, et un chaman mi producteur mi psychologue pour diriger l’orchestre.
Maya, le troisième projet de Mace, n’est pas seulement un grand album de pop contemporaine raffinée, inspiré à la fois des années 60 et du futur, mais presque un manifeste culturel (non déclaré, comme vous le lirez dans l’interview) contre l’aplatissement du mainstream à logique de marché et classement faciles. Il y a ses compagnons de voyage de longue date, Venerus, Gemitaiz et Joan Thiele, les nouvelles recrues Altea, Centomilacarie et Kid Yugi, des grands noms comme Mengoni et Guè, tous transportés hors de leur zone de confort, dans un univers psychédélique qui, selon Mace lui-même, ce n’est pas facile à décrire avec des mots. Nous avons cependant essayé de lui faire raconter une partie de ce voyage, bonne lecture.
J’aimerais que vous me parliez de la production du disque. Je sais seulement que tu es parti dans la campagne toscane avec 15 instrumentistes…
Les enregistrements se sont déroulés sur deux ans, mais tout a commencé à San Gimignano en Toscane, dans un studio immergé dans la campagne où j’ai amené mes meilleurs musiciens et quelques artistes avec lesquels j’ai une relation intime comme Venerus, Joan Thiele, Gemitaiz, Izi, Frah Quintale et Marco Castello. On s’y est enfermé pendant dix jours sans jamais sortir, sans avoir d’idées musicales très claires sur ce que je voulais réaliser, c’est l’esprit qui m’intéressait. Je voulais rassembler ces personnes spéciales et faire en sorte que la musique naisse d’une expérience partagée, 24 heures sur 24. Les disques urbains ne sont généralement pas faits comme ça.
Le stéréotype classique est celui du producteur ringard enfermé dans sa chambre qui envoie des fichiers avec les playbacks et reçoit des fichiers avec le chant…
Je voulais que ma musique soit une expérience collective, nous mangions et dormions au même endroit. J’avais comme référence la musique de la fin des années 60 et du début des années 70 et je me suis demandé : comment faisaient-ils des disques à cette époque ? Pourquoi un album de Funkadelic est-il si spécial, pas seulement sur le plan technique ? Parce que d’après la façon dont les instruments interagissent les uns avec les autres, on comprend qu’ils ont beaucoup joué ensemble et qu’aujourd’hui, cette chose manque. Travaillant avec des multi-instrumentistes – ceux qui jouaient du sax ou de la harpe, du sitar, du violon – il me suffisait souvent de commencer par une ronde d’accords pour déboucher sur un jam où les idées se matérialisaient.
Il y a beaucoup de voix, 28, et aussi très différentes les unes des autres – de Tony Boy à Mengoni – et d’âges et d’expériences différents. Comment avez-vous travaillé avec eux ?
Je n’ai travaillé avec personne à distance, soit ils venaient au studio à la campagne, soit je suis allé chez eux. Quand je travaille sur une chanson j’ai déjà une idée de qui j’aimerais impliquer et quand je fais écouter à un artiste ma proposition musicale, même si elle est très loin de sa zone de confort, il est presque toujours satisfait car elle c’est comme si j’arrivais instinctivement à trouver le bon point de contact. Il est peut-être arrivé qu’un artiste ait enregistré un vers dont il n’était pas convaincu parce que c’était très loin de ce qu’il faisait habituellement, et j’ai réussi à le convaincre qu’il avait fait une bonne chose.
Y avait-il un dialogue constant entre vous et les chanteurs ?
Je suis à moitié psychologue et à moitié compositeur. J’aime beaucoup parler avec les artistes avant d’enregistrer, en partie parce que ce qui est agréable dans le travail est de se connaître et en partie parce que ce qu’on se dit influence leur travail sur les paroles. Je pense à Iako, Rares, Altea. Ou Centomilacarie : il est de 2004, il aime Led Zeppelin et chante avec cette voix rauque extraordinaire quand ses pairs veulent juste piéger. Je l’ai entendu et j’ai pensé : wow, alors il y a de l’espoir ! Quelqu’un qui cherche sa propre voie, exposant ses émotions alors que la plupart des gars veulent juste fléchir de la même manière, a tout mon respect.
Y a-t-il quelqu’un avec qui vous vous sentez particulièrement en phase ?
Ce qui m’a donné le plus de joie, c’est de travailler avec des artistes émergents, ils ont plus d’enthousiasme que les artistes confirmés pour qui cela devient souvent du travail.
Comment avez-vous fait part de votre projet à ceux avec qui vous vouliez travailler ?
Ceux qui sont venus en Toscane ont été jetés dans mon monde. Même pour des artistes déjà établis comme Izi et Gemitaiz, cette expérience globale était unique, ils ne l’avaient jamais vécue auparavant. 90% des productions que nous écoutons aujourd’hui sont enregistrées dans des studios aseptisés, dans une ambiance de travail professionnelle, alors que nous étions une communauté d’amis un peu flippants qui aimaient jouer ensemble. Si vous aviez une idée de morceau de guitare à 3 heures du matin, il vous suffisait d’appuyer sur rec et cela se réaliserait. Ça valait le coup, c’est comme ça que je veux faire de la musique.
Avez-vous également eu votre mot à dire dans l’écriture des paroles ?
Non, mais c’est mon disque donc si je ne l’aime pas, je te le dirai. Le fait de créer de l’harmonie en se parlant est utile : je vous invite toujours à écrire quelque chose qui, réécouté dans cinq ans, nous plaira encore, quelque chose conçu pour durer. Il n’est pas nécessaire que tout cela soit conscient ou philosophique, même les choses folles peuvent être exprimées de manière élégante. Tony Boy par exemple écrit d’une manière folle, il est cool dans la forme mais aussi dans le contenu et quand il veut il se déchaîne en créant des images inattendues.
Photo de : Doute
Vous avez emmené de nombreux rappeurs dans des territoires très éloignés d’eux. Je pense au funk de Louez le Seigneur avec Gué, Noyz et Tony Boyo Lumière avec Ernia et Digital Astro…
Le rap est le genre le plus réussi en Italie, il aurait été facile de faire pareil, mais je voulais me démarquer en traçant une nouvelle voie.
Cela ressemble presque à une bataille culturelle, ne laissez pas les artistes s’aligner sur les courants de la mode…
Ce n’est pas vraiment comme ça, je recherche l’émotion et l’instinct. Pour moi, c’est juste le but. J’ai été très impressionné par Izi, qui a trois couplets différents sur l’album : il a fait un travail extraordinaire en termes d’urgence et d’impact.
Il y a des morceaux qui rappellent les Beatles (Guerre) ou Santana (Oxygène), il y a beaucoup de Motown, de soul, de funk et de rock américain psychédélique. Y a-t-il une référence italienne ?
Non, les seuls Italiens que j’écoute sont Battisti et quelques disques de Battiato. Dans Maya il y a beaucoup de conception sonore des années 60 avec des effets analogiques.
L’album a-t-il un concept plus large, au-delà du son ?
Oui, car c’est le résultat de mon expérience non seulement musicale, mais aussi spirituelle et de mes excursions dans l’usage de substances psychédéliques, dont aujourd’hui, grâce à la recherche académique, nous commençons à parler en profondeur. Il n’y a pas de pièces qui parlent de ça car je ne voulais pas banaliser le psychédélisme, il n’y a toujours pas de lexique pour décrire une cérémonie d’ayahuasca ou un voyage avec Bufo Alvarius, qui est le crapaud, dans des états altérés de conscience. Terence McKenna donne l’exemple de l’homme des cavernes jeté à Times Square qui retourne dans la grotte et doit raconter ce qu’il a vu. C’est difficile, et c’est pareil avec les voyages psychédéliques. J’espère que ma musique, comme ce type de voyage, vous emmène ailleurs et vous fait voyager loin, vous émouvant viscéralement.
Je t’ai vu camper et danser dans des festivals de musique électronique plus ou moins expérimentale comme Terraforma et C2C. Dans quelle mesure ces expériences ont-elles influencé votre musique ?
J’y vais toujours pour écouter de la musique d’avant-garde. Cela m’aide à ne pas me conformer, à avoir un phare qui éclaire des régions inexplorées de la musique mainstream. Entendre des gens visionnaires m’incite à faire des choses différentes.
Essayez-vous d’échapper à la logique du marché en restant à l’intérieur du marché ?
C’est ce que j’essaie de faire. Je ne veux pas me comparer au grand maître, mais c’était très instructif d’étudier la vie de Morricone : il a toujours fait de la pop bien qu’il soit issu de la musique expérimentale. La façon dont il a arrangé les chansons puis les bandes sonores a synthétisé ce monde d’avant-garde en une musique plus accessible. C’est mon objectif.
Pensez-vous parfois « c’est un succès » lorsque vous écrivez une chanson ?
Oui, mais je ne me fais pas toujours prendre.
